ARTISTE EN RESIDENCE - KATIE BELCHER (CANADA)
Fév, Mars, Avril 2013

Ayant atteint la maturité dans ce qu'on appelle «l'économie de la connaissance" je suis particulièrement intéressée par mon propre manque de compréhension du processus historique, spécifiquement en agricole, culinaire, bâtiment, et la connaissance mécanique et médicale. Mes oeuvres viennent de l'examen de ces espaces inconnus, des objets, des espèces et des processus.

Mes dessins récents examinent l'histoire agricole et la mémoire culturelle. Dans ces dessins à grand échelle au fusain et je fusionne les formes naturels et fabriqués avec le paysage. J'allie sujets tiré de l'observation avec celles effectuées à partir de la mémoire, des espèces d'animaux, du bois, des champs sillonnés et des architectures abandonnées.

Mon travail à DRAWinternational est centrée sur l'expérience de la plumaison d'un oiseau pour la première fois, c'était un faisan.
La maladresse avec laquelle j'ai réalisé cette tâche, autrefois une tâche habituelle, est devenue l'inspiration d'un nouveau projet de dessin. J'ai documenté le processus, et catégorisés et documenté sa trace - les plumes.
Je cherche à décrire le faisan lui-même, ainsi que l'action de la plumaison.

J'ai réalisé des dessins au fusain en imitant la tension ressentie dans mes mains et mes bras, tout en tenant le faisan et en tirant sur ses plumes. S'appuyant principalement, mais pas uniquement sur ​​la motion de la plumaison, je continue à faire évoluer ces dessins en utilisant le fusain, la gomme et le graphite. Mon but est de fusionner le processus de dessiner (faisant) et le sujet (le faisan).

ARTISTE EN RESIDENCE - HANNAH SARAH JAMES (UK)
Mars 2013

Ma pratique embrasse l'action gestuelle d'une ligne tracée, typiquement à travers des dessins "in situ" utilisant des milliers de lignes droites.

Au cours de la résidence à DRAWinternational j'ai continué à examiner le dessin au trait répétitif, et étudier les moyens de manipuler des lignes simples. J'ai utilisé des cercles concentriques comme lignes directrices pour ce processus.

Mon projet est une interrogation mathématique de l'espace intérieur du cercle. J'ai exploré ce processus en travaillant avec la longueur et la direction de la ligne, la vitesse d'application et les points de changement.

En mettant en place des constructions plus rigides, je maintiens une curiosité en ce qui concerne le résultat de cet acte obsessionnel.

La simplicité d'une ligne répétée met en évidence les variations du geste qui ne seraient pas présents dans un processus mécanique.

ARTISTE EN RESIDENCE - KELLIE O'DEMPSEY (AUS)
Jan/Fév 2013

As artist in residence at DRAWinternational I developed a body of work which investigated hand drawn gestural mark making in combination with live digital drawing. I incorporated elements unique to Caylus, a medieval village in the south of France, which resulted in a site-specific installation within a vitrine which overlooked the market square.

I made drawings of the villagers during the day and experimented with digital projections in the evening.

This drawing project focused upon the various interactions between people within the context of this historic setting.

ARTISTE EN RESIDENCE - JULIE PAYNE (AUS)
Octobre 2012

Je suis arrivée au studio souhaitant développer davantage mes compétences en dessin, ma compréhension de nouveaux matériaux et une remise en question plus critique de ma pratique.

Pendant mon séjour ici, j'ai choisi à dessiner des objets simples; souvent négligés j'ai fait une série de dessins examinant divers techniques et matières: Des dessins tactiles (aux yeux bandés), avec la lumière inversé et avec le geste rythmiques, utilisant des pastels, les bâtons à l'huile, l'encre, les plumes à dessin, et le graphite.

Je tiens également à remercier tous ceux qui ont prêté leurs objets uniques avec lesquels je pouvais créer des histoires graphiques.

Julie Payne
www.juliepayne.com.au

ARTISTE EN RESIDENCE - ANNA HAYES (UK)
Septembre/Octobre 2012

L'art peut être perçu comme un instrument de recherche pour explorer les mystères de la vie et de l'univers. La peinture, en tant que discipline, peut permettre l'expansion de la vision et de toutes ses forces créatrices. Par conséquent, avec cette notion, je sens que je dois produire nombreuses images à partir de la même source qui se sentent unis par une idée commune de la séparation. De cette façon, ce n'est pas l'art pour l'art, mais pour la communication elle-même.

Un sentiment intense de la vie et une sympathie vive pour la douleur et la souffrance humaine est un sujet de préoccupation. La vie vue de première main et par l'intermédiaire des médias peut conduire certains gens à une préoccupation agitée et introspective. Parfois, cela peut se manifester par un pessimisme profond et douloureux créé dans un contexte de crainte Au contraire, cette dynamique, dans toutes les machinations, peut être apprécié comme une force de la nature moins importante mais plus stimulante.

Beaucoup d'entre nous essayons de nous diriger vers une vision plus mature et plus positive de l'existence humaine à travers une contemplation réfléchie et constructive. Comme un acte de foi, chacun d'entre nous doit offrir un élément d'espoir et de la sensibilité à travers notre façon de vivre et ce que nous créons.

ARTISTE EN RESIDENCE - EVAN BROENS(CANADA)
Septembre/Octobre,2012.

Réflexions sur un dessin; se servir de ses pensées.

Le dessin - sa chorégraphie, sa réalisation et son expression - c'est apprendre. Un apprentissage de la forme, un apprentissage de la perception, un apprentissage de l'idée et le sens. C'est à travers le dessin que nous apprenons à comprendre la chose qui a fait attirer notre attention.

Il y a une façon dont un trait, une marque, un geste, est fait. Pas de bonne ou de mauvaise façon de faire, plutôt un mouvement, un poids et une relation à la ligne ou au geste. La façon de dessiner ce trait a de nombreuse possibilité et dans cette gamme les démarches évoluent sans cesse. Ce déroulement se passe entre la prise directe et indirecte d'un trait.

La façon dont la ligne est tracée vient finalement du geste corporel, et la façon qu'elle se manifeste également fait positionné le travail par rapport à l'échelle. Il s'agit de trouver comment créer cette ligne, en suivant sa trajectoire et en poussant la gamme des possibilités pour trouver, découvrir, sa propre expression.

Où commence une ligne? Il y a des années; dans l'ombre; avant le crépuscule; dans quelques jours; à partir de maintenant; dans la pause d'une main tenue par la peur et par la caresse; hier...
Cette page n'est ni là où elle commence ni là où elle cherche à finir.


Chasm
separation
right hand move from bottom to crest and roll out, left hand move from bottom to crest and roll out left do this at the same time.
Scale is to the torso from the weight of the shoulders
to the center of the gut below the naval

it’s essence is in the line and the separation of this line, the two parts parting
there are indirect and direct circumstances
clarify and clarifying the situation

the gap between the two lines is a mark, it’s the crux of the content
how is that negative space utilized
the weight and presence of the line is both delicate and heavy
not a polarity or a balance one and the same throughout

Mother Father
the space between is definite and yet unclear
if what cannot be undone there is permanence

the seed needs to be fostered
Feel the seed that is present in the work and keep it throughout – every line, every mark. Explore the drawing, understand the drawing. Each line has a relationship to the other, both distant and close.
a long division at the heart of the matter
Egyptian hieroglyph lock up or contain
fissure divide split, splinter chasm schism discord

Chasm: a profound difference between people, viewpoints, feelings.
Relation
Work. Structure.
four lines – a base, small medium large complicated scale small is palm size, medium is body, large is architecture within the body range
speculate each line as its own purpose
what is the seed of this?
a feeling of grace
a feeling of togetherness
of unity
there are stages there is growth lines attached, lines apart

there are three and a support three graces – charm, beauty, creativity
Detached line is the base, the foundation, the weight, its strength
sense the lines need to be made horizontally, not drawn in a vertical position
the base is hard and rigid – the others be free to their movement.
Stages of growth.
Stages of being.
Stages of life relationships.
Stages of distance.
Script, set of parameters in the movement. Page surface rubbed in repetitive motion.
Third person
a distance of self looking downward
preparation, exaltation
self distance
Technical complete. Find the meaning, bring it out.

Embedded levels different lengths and downward turn detached lines
Comprehension
relationship to others close to touch a gap between

What seems like a trace may be embedded.
What maybe present or left behind.
a thinning minor attention Relation.

Evan Broens 28 Octobre, 2012

ARTISTE EN RESIDENCE - NONI BOYLE (CANADA)
Septembre 2012.

Water is water
and clouds billow or stretch out in wisps wherever you are.

Some of the vegetation will be familiar to you - some not

But is all comes together in a way that is unique to that particular place.

And so to travel is to experience the familiar as new - and the new as familiar (since it will always be composed of the same elements)

(Nakamaro's moon is my moon!)

I am finding my way into into this landscape through the medium of water.
Mediating the landscape image through the element of water serves as a metaphor of knowing - the incompleteness of it.

(Through a Glass Darkly)

The landscape is inverted and subject to disruptions or disturbances.
Ripples or waves will distort, fragment, blur, or shatter your sense of the whole.
There are foreground elements, that may be familiar or or elusive, and they serve to further the confound the logic of the image.

Through this process I am also finding the forms, shapes and textures that seem to me to be particular to this place.
The shapes gradually become abstracted into marks or notations with which to compose drawings that reflect my own response to this environment.

ARTISTE EN RESIDENCE - SARA SCHNECKLOTH

A sample of recent work and drawings carried out at DRAWinternational and since.

ARTISTE EN RESIDENCE - BENJAMIN SHEPPARD (AUS) Mars/Avril 2011

Etre artiste en résidence à DRAWinternational m'a donné une réelle opportunité d'élargir ma pratique dans une espace fantastique avec un soutien magnifique.
Etre à Caylus m'a donné un espace physique et conceptuel pour explorer d'autres aspects de mon travail d'artiste.

J'ai choisi le Coq au départ car il représente la France, mais pendant que je l'ai étudié comme sujet, j'ai été étonné par ses diverses gesticulations et son façon de se lisser les plumes. Ces gestes se reflètent dans les caractéristiques humain en particulier, l'homme.
Masculinité, l'orgueil et l'ego sont à l'évidence quand on regard le Coq. Ce sont des chose qui me viennent à l'esprit quand je regard le monde : politique, locale et aussi les relations personnelles.
Le Coq représente ici tant de choses sur l'humanité et ces oeuvres seront reflètent dans de nombreuses cultures étant donné l'omniprésence de l'animal dans toute sa diversité. En effet dans les pays développés de plus en plus de gens vivant dans les zones urbains élever des poules, comme d'ailleurs je l'ai fait chez moi à Melbourne, en Australie. Le choix de stylo revient vers mes dessins abstrait précèdent. Cependant les gestes complexes et délicates sont nouveaux à ma pratique.
Je vois le dessin comme l'idée en travaux, l'idée se développe en même temps que le dessin.
Je considère l'aspect sculptural de ma pratique comme une sorte de dessin.
Un assemblage de lignes pour exprimer une idée, la forme est vide/creuse mais elle décrit quand même un objet ou un espace.

Exposition "COMME" Digitaldialogues.co.uk

A la suite de l'intervention virtuel de Darren Williams ( Hereford College of Art and Design) à l'inauguration de la Cyberbase de Caylus avec John et Grete McNorton de DRAWinternational, Darren revient sur Caylus 'en live', pour inaugurer son propre exposition "Digital Dialogues" avec son collaborateur artistique Jason Davies.

L'origine de cette collaboration est née de la volonté d'être plus créatifs avec la technologie de communication électronique, et dans laquelle le processus de production est au cœur du projet.

"La salle d'informatique à domicile".

Les artistes sont engagés dans un projet longue distance collaboratif, utilisant le système de courriel générique et les logiciels créatifs au sein de la salle informatique à domicile. Le dessin occupe un rôle central dans leur travail, l'original numérisé dans le PC et l'image va-et-vient entre eux.
La prise de marque est réalisée en utilisant soit une palette graphique ou la souris elle-même, et les dessins sont initiés par chaque collaborateur.
Bien que cette forme de transmission d'images soit elle-même le sujet principal, chaque individu s'approprie les préoccupations, des expressions et des incidents en fonction des expériences propres et les histoires personnelles.

"Nous avons littéralement dessiné les fils de nos vies personnelles, et les plus pertinents sont enregistrés rituellement sous forme d’esquisse.
Ces croquis « journal intime » sont ensuite travaillés et étendus jusqu'à ce que chaque dessin numérique ultérieur atteigne sa finalisation".


"Une évolution récente est le développement d'un blog visuel où les œuvres peut être immédiatement transférées. Cela a coïncidé avec l'imagerie photographique recueillie avec le téléphone portable omniprésente."


Jason Davies et Darren Williams de Digitaldialogues.co.uk

YANN LESTRAT 9 Photographies Nevroz and Video

Exposition 8-22 Decembre 2010

ARTIST IN RESIDENCE - Christine McMillan (AUS)- JULY 2010 continué.

Examples of related ideas and processes carried out at a residency in Bali commencing immediately after the DRAWinternational experience.

ARTISTE EN RESIDENCE - BRITT SALT

A sample of recent work

ARTIST IN RESIDENCE - POLLYXENIA JOANNOU

A sample of recent work.

Barrett Danes - une tradition continue.
Exposition du 31 juillet au 19 septembre 2010

Depuis l’enfance, Alan Barrett Danes s’était bien fait à l’idée de travailler l’argile toute sa vie. Son grand-père, Edward Baker, avait acheté au début des années cinquante l’atelier d’Upchurch Pottery où il avait travaillé pendant quatre décennies pour plusieurs propriétaires.
Les expériences d’Alan et sa formation au milieu du vingtième siècle montrent qu’il était particulièrement bien placé pour jouer un rôle majeur dans le développement de la céramique d’atelier au cours des dernières décennies du siècle. Personne d’autre que lui n’était aussi bien disposé pour profiter de ce moment où la céramique s’est ouverte à son passé et à son futur. Dans sa vie et dans son œuvre, on voit quelqu’un qui était capable de démonter l’histoire de la céramique et de la remonter d’une manière nouvelle et stimulante. Alan BarrettDanes avait senti qu’il était nécessaire de quitter Upchurch et Stoke-on-Trent et de bouger et nombreux sont ceux qui ont des raisons de lui être reconnaissant d’avoir continué à se battre avec leur héritage pour le restant de sa carrière.
Travaillant ensemble et séparément, Alan et Ruth BarrettDanes ont apporté une contribution majeure au développement de la céramique d’atelier en Grande-Bretagne. Pour les BarrettDanes, la céramique a été une tradition couvrant six générations et remontant au début du 19ème siècle. Pendant plusieurs décennies, Alan et Ruth BarrettDanes ont fait passer leur talent et leur enthousiasme à des générations d’étudiants, à un public de mieux en mieux informé et appréciateur et aussi à leur fils Jonathan dont le travail montre des signes de leur influence tout en ayant sa propre orientation.

(Traduction par François Rivière)


Une exposition itnérante de Llantarnam Grange Arts Centre, Pays de Galles.

ARTIST IN RESIDENCE - Christine McMillan (AUS)- JUILLET 2010

I walked along a lane, in a country where I was overawed by the age of the built environment with few tools, all from books, for understanding. On that lane I picked up a stone, it could have been a tool. These I knew about, these I have picked up in Australia. Man made, edges chipped off stone to create a tool. This action of a human was a common point in France and Australia. I felt a sense of relief and reassurance in the familiarity of this object and the action of picking up the stone.
My aim in participating in the DRAWinternational program was to learn to draw in a different way, breakaway from old habits, build a new structure or framework of communication and to be challenged. I asked John to lead me on this journey to explore the process of integrating drawing into my arts practice.
Previously, part of my drawing style had been to use many lines to make one line. I also laid materials over each other, white oily crayon over black charcoal, over pastels, over ink and water colour...scratched back... etc. I had developed a style of drawing that was more about the materials than the marks. I was physically pushing the actual materials around and did not use drawing to develop new understanding or a clarity of thought. I was also reliant on pattern making.
The Artist in Residence program at DRAWinternational helped me to develop a drawings that are about an understanding and an intelligence of drawing. Intelligence of drawing being that through drawing conceptual leaps and new ways of exploring ideas are fostered by the act of drawing and by the drawing itself.
With the guidance of John McNorton of the DRAWinternational I was able to do these things and more. I also acknowledge the support of Grete and Aloise McNorton.
The Process
The DRAWinternational work began with the drawing of the figure through touch whilst blindfolded. This helps to engage the mind, marks are created which are ‘fresh and authentic’ (John McNorton).
I didn’t want to look at the drawing before John. I wondered if by his talk I could visualise what the drawing was like. Of course I was totally surprised when I saw the drawing. I had imagined so many more lines and tonal areas.
The next step, look at the drawing you were making, but still touch the object of the drawing. ‘Draw the figure, concentrate on essential (the essence), focus on the centre’. I began to develop techniques for drawing what I couldn’t see. Some lines could be made at the same rate as the feeling of the line. Some had to be created by memory as it was not possible to draw and feel with the same hand at the same time. The challenge was how to transfer the turns, the direction, the length, the plane into a line with qualities that reflected the source. One solution was to create a series of sounds which embodied the quality of the line. The sounds were attached to the length of a section of line through time and rhythm. As I was feeling the object I would create the series of sounds, practice and repeat the series through touch then draw. In future drawings I called upon the concentration I experienced in the blindfolded drawing to help me understand what I was seeing. I would go back to touch, to see. I found that by touch and sight I could draw more effectively than by sight alone.
John commented that my drawings were sculptural and suggested working in clay from the drawings. Create a clay figure of the essential, turned out like a Venus, bit cliché but again I learnt.
Next step is drawing through touch using the clay figure. I aimed to retain the feeling of going around the clay figure or the figure going around, creating solidity. I tried to throw away the unneeded. There was a heightened awareness of the 3d aspect of line and shape. Feel there is a line circling, the challenge is to translate this from a 3d surface to a piece of paper in a fresh and authentic way.
The making of the second, third and fourth clay figures were interspersed with drawings focusing ideas. By using the clay then paper I could make leaps, jumps, find new ground.
A series of drawing using only planes used a key that was drawn on the base of the sculpture like a compass, to keep track of the views. That key transposed onto paper so a layer of line could be drawn on with architects tracing paper. This helped to focus the way I looked at, always including touch, the object.
The large drawings allowed concentration on the creation of a line, a focus on it’s quality, it’s direction, intensity, thickness and broken length. The drawings allowed the line to explore what has been touched. Is there a reason for the line being, fine, dark, thick or broken. I hold my breath while feeling the line, and drawing the line. A sigh and breath as the line is completed. I catch myself in the middle of a line, bring mind back to the line questioning the reason for its quality. Why does a line have the quality of a fly trail across the paper, a dramatic gesture, a fleeting moment, a stop or a circumnavigation? Each line is contemplated. Each line assessed. Each line is a release of the knowledge gathered by the touch.

ARTISTE EN RESIDENCE - Margaret Brooks (AUS)- JUILLET 2010

PROCESSUS

ARTISTE EN RESIDENCE - Megan Ehrhart (USA) Juillet 2010

The inspiration for this installation unearthed itself when I began spending long months roaming around the French countryside and reflecting on life. Working in remote villages forced me to slow down and adapt, turning inconvenience into an opportunity for innovation and self reflection. Everything is transient. People come and go, emotions and personal attachments whirlwind around in a tornado of intimate international social interaction. “Grounded” is the result of having the chance to be truly removed from the world as I know it and the unshakeable whirling thoughts building strength and haunting my mind for the last thirteen years.

“Grounded” is a growing project, a body of work I am showing in stages, building up to a grand final installation complete with a full interactive sensory environment enhanced by five intertwined chapters of stop-motion media. For each exhibition of Grounded, new elements are added.

Using very tactile natural materials hand picked from the ground, the first execution of the “Grounded” series features the film entitled “Echoes of Abandonment.” In an attempt to feel a sense of belonging, we may imagine an idealized dream of humanity as part of a greater, singular whole. I explore the common desire to make lasting emotional connections, trading individual identity for the power and comfort of belonging to a larger community. Taking advantage of the unreliable perception of time, at a very primal level, the film provokes disillusionment caused by feelings of isolation and abandonment while questioning the audacity of the persistent, seemingly indestructible, “self”.

ARTIST IN RESIDENCE - Ruth Trotter June 2010

Artiste en Residence - Ruth Trotter Juin 2010

 Ruth Trotter’s works shown in Second Nature: Landscape Variations are from a series she created in 2010 as an “Artist in Residence” at DRAWinternational, a contemporary art center in southern France. While there, she developed a group of drawings and paintings that explored modes of representation rooted in both psychological paradigms and themes of landscape.   Her paintings originate as carefully articulated drawings, and are thereafter built up with bold impasto strokes and smears of color.  The original drawings that support each painting typically start from the definitive contours of Rorschach inkblots, patterns rooted in abstract expressionism, and iconic references to modern art.  For Trotter, the drawings function as an intellectual underpinning for the paintings.  She then applies the memory of specific landscapes by working the surface with layers of paint, often obscuring the foundational drawings that lay underneath, in what is an oblique reference to the conscious and subconscious, the rational and irrational, the emotional and logical. Thus, the paintings embody the idea that true perception requires a recognition of cognition and intuition -- as does the creative process itself.  For Trotter, the notion of landscape is, at a very fundamental basis, a kind of Rorschach in itself.  Indeed, human perceptions of landscape can only be truly understood by extending beyond the tyrannical filter of plein air-type realism or photographic renderings that could otherwise potentially ignore the viewer’s role in what is a complex and subjective interactive dance that is  continually played out between the perceived and the participant.   

ARTISTE EN RESIDENCE - Katherine Boland - Mai/Juin 2010

During my two-month residency at Drawinternational I was inspired to respond to the surrounding environment by using local materials. I discovered 300 year old oak beams, unrefined beeswax from a local honey farm, clay dug from a river bed on the edge of the village, 'brou de noix' - a stain distilled from walnuts - and 'la chaux', a powdered limestone used for centuries in the linen-coloured stone buildings of the region. The delicate balance existing between bees and flora is becoming increasingly tenuous, so the idea of melding these two together in sculpture very much appealed to me. 

The body of work I created in France is entitled 'Beyond The Black Stump'. The origin of this Australian expression derives from the use of fire-blackened tree-stumps as markers when giving directions to travellers unfamiliar with the terrain. In it’s evolved usage it describes an imaginary marker in the landscape beyond which the country is considered remote or unknown. It taps into the sense of distance and dislocation one can feel when far from home. I have used fire to char the oak beams whilst scraping the residual charcoal with hand tools to sculpt the desired shape. The charred wood is further blackened and preserved with 'poudre d'asphalte' - the blackness enhancing the sense of age and time. The treatment of the timber respects the natural form and tendencies of the grain as I consciously restrain from imposing my will upon it to any large extent. It seems almost sacrilegious or disrespectful to compete with nature and the artisans who originally fashioned the beams so long ago. The finished surface has a subtle lustre which, when combined with the encaustic medium, is seductively tactile, contrasting with the solidity of the geometric forms. In the process of making these works the pungent smell produced by the burning wood and the melted beeswax reminds me of both my days in the Australian bush and the hushed atmosphere of a French medieval church.

On returning to Australia I intend to develop this work on a much larger scale using Australian hardwood and local bees wax. In keeping with my enduring passion for black and white - which began as a child watching my father, a professional photographer, develop photographs in his darkroom - I will also produce a white series using bleached driftwood.

This residency has allowed me to step outside my normal art practice and take the time to respond to the local environment and explore different creative possibilities. I know I will be influenced by the work I began here for many years to come.

(22 June 2010)

'Timescapes' - Paul Beauchamp

Depuis deux ans, Paul Beauchamp travaille sur une série de photographies de carrières et de sites industriels il les présente sous la titre "Timescapes".

Timescape s'oppose à la notion de paysage et remet en cause la signification du visuel.

Les photographies de Paul Beauchamp prennent cette notion de "Timescape" comme point de départ. Bien que les photographies soient magnifiquement composées et rendues, ils sont disposés à poser des questions sur le monde visible, elles sortent d'une enquête sur le site plutôt que d'une simple représentation du lieu. Les carrières sont eux-mêmes des lieux qui sont généralement hors de vue, mais ici elles sont rendues visibles et les connexions sont établies entre la carrière et la société qui les produit. La carrière elle-même appartient à la fois à l'ordre naturel et au monde civilise : ses terrasses sont à la fois parallèles et inégales.

Les photographies de Paul Beauchamp sont une illustration vive de la mesure à laquelle les processus « naturel » et « culturel » sont devenues inextricablement liées.

Les photographies sont le plus souvent présentés comme des triptyques et ce format permet à Paul Beauchamp d'intervenir dans la tradition de la photographie de paysage et de la peinture et de remettre en question certaines de ses conventions.

Paul Beauchamp vis et travaille à Cardiff Pays de Galles.

ARTIST EN RESIDENCE ANOOK CLÉONNE (NL)

'Fragments de Paysage'.

Dessins crées par Anook Cléonne (Pays Bas) pendent février 2010.

JOHN MCNORTON

“Something about embryonic stem cells” (Quelques choses au sujet de l’effervescence des cellules embryonnaires). 2010

Ces peintures s’inscrivent dans une volonté de maintenir ouvertes des relations avec le monde de la recherché médicale et scientifique. Au-delà de tout dogme, ce n’est pas une position politique ou éthique, mais plutôt des réflexions libres et fluides dans un esprit jubilaire. Ces oeuvres veulent rester en continuel devenir. Certaines responsabilités prioritaire, ont empêché John McNorton de peindre depuis quelques années. L’enseignement du dessin, et ses recherches personnelles lui ont permis d’enrichir ses idées et de rester concentre sur de nouvelles créations.

Maryvonne Constant

ARTIST IN RESIDENCE - BAHARADDIN ADAM (SUDAN)

Les oeuvres réalisé pendant la résidence

E-DESSINS

An interactive digital drawing collaboration between three artists: Darren William(Wales) Jason Davies(Wales) John McNorton(France).

EXPOSITION: "SANS TITRE" LOUIS PERRIN
7 août - 5 septembre 2009

Le titre est en référence avec une exposition que j’avais faite en 2001 à « La lune en parachute », centre d’Art Contemporain à Epinal qui avait le même nom (sans titre), mais aussi parce que les premières œuvres que j’ai pensé installer dans cet espace n’avaient pas de titre.

Les pièces ont été choisies parce qu’elles sont essentiellement en bois ou en métal, elles participent à une sorte de conte que l’on raconte autour de la cheminée, ou plus exactement du poêle en fonte, qui est posé comme une sculpture, en attendant les jours de froid, avant qu’il devienne à nouveau un instrument de chauffage.

Les oeuvres présentées sont de diverses époques, certaines n’ont pas été exposées depuis longtemps : le « microcosme » composé de 20 bûches de bois date de 1982, la grande sculpture en acier à l’extérieur de 1990, les 4 pièces ovoïdes en acier de 2001, le Zep K de 2009...

J’ai voulu éviter un dispositif d’exposition sur des socles, pour occuper le lieu dans sa réalité de pierre, en proposant une installation en résonance avec l’espace.

Le passant est invité à plonger son regard à travers la grille pour assister à cette réunion en spectateur, ou à pousser la porte en bois et à entrer pour y participer...





Louis, août 2009

ARTISTE EN RESIDENCE- ALLEGRA DENTON - Juillet/ Août 2009

Before I flew over here, I found this book in an antique store in Minnesota. It’s one book from an American James Bond-type adventure series, which are called “Killmaster Spy Thrillers”, and they all feature this one man, Nick Carter who travels the world completing adventure-filled missions assigned to him by the agency he works for. I decided to use this paperback— which was published in 1964— as the base medium for my project, which has come to be known, appropriately, as Safari for Spies.
I began by making one collage a day, each one corresponding to a chapter in the book. As I was making the collages, I found some images that seemed to lend themselves to the theme of the project, and began keeping them with the collages.
I choose a page based on the narrative— I choose part of the narrative of the chapter that sticks out to me. I then, take pieces of photographs that I’ve taken here in Caylus, and also pieces of images from books and magazines I’ve acquired since I’ve been here, and fit them together to create a sort of abstract narrative within the existing one in the text.
Along with the collages on pages from the book, and the found images from books I got here, I have included some of the photographs I’ve taken while I’ve been in Caylus.
Part of how I am relating to the protagonist in Safari for Spies, is that I am an outside observer in a foreign location. I observe the city and my surroundings within it quietly, taking in as much as I can, and noting my observations, representing them with the combination of image and the narrative that has become somewhat of an alias for my own, that of Nick Carter, in the book.
It makes more sense to me to display them in a non-hierarchical and non-linear way, as together they represent the whole of my experience thus far.

ARTIST EN RESIDENCE - WILL ZAJAC - Avril/Mai/Juin 2009

The past 2.5 months have been dedicated toward developing drawings that begin to record Caylus’ unique architectural habitat. I have selected several components, which I believe are essential for a sustainable and ecological co-existence with the environment.

The components [things] that I have studied are all typical of Medieval and Romanesque architecture. The village of Caylus contains both, as well as characteristics of a bastide. My understanding of a bastide is that it is a medieval urban village built as a single unit for the purposes of defense and sustainability. The elements of a bastide include the core: La Place, Halle/Marche, lavoirs, couverts, rues, portals, clocher, fontains, esplanades;…all of these are enveloped by an agricultural landscape of terraces, gardens, pigeonniers, pierre seche, cabanes, etc. These elements are organized around a centralized plan similar to a roman castrum, which has a grid layout of intersecting streets, with wide thoroughfares that divide the town plan into insulae, or blocks, through which public passageways run. The central market square/halle is at the urban center and it usually acts as the module into which the bastide is subdivided. It’s an interesting organizational pattern because it is an efficient model for self-sustainability. A core urban habitat interwoven with essential systems of water, food, vegetation, etc.

What I find interesting about Caylus is how its form is more organic and sympathetic to the landscape than others. It reminds me of a quote by the historian A. Randolph: "The block geometry of some bastides was not always a rigid framework into which a town was squeezed; sometimes it resembles more closely a net, thrown upon the site and adapting to its nuances."

And, therefore, I’ve started a series of drawings that try to communicate these components. The first drawing that I’ll present is based on the central square of Caylus [the heart of the village].

Ateliers de dessin avec modèle vivant.

Atelier de dessin 29/04/09

ARTISTE EN RERSIDENCE - NADEZDA TSERNOBAI (ESTONIA)

Travail en cours

Exposition “PORCELAINE : RITUELS ET PROCESSUS” cinq artistes travaillant la porcelaine avec photographies de Toril Brancher

Cet été le centre 'DRAW' accueille une exposition itinérante de Llantarnam Grange Arts Centre, Pays de Galles,

"Porcelaine : Rituels et Processus"

Cette exposition a pour but de présenter, outre leurs oeuvres, des supports visuels montrant les rituels et les processus qui se déroulent dans les ateliers des cinq artistes:

SAM BAKEWELL, JENNY BEAVAN, MELANIE BROWN,
JOANNA HOWELLS & VICKY SHAW

Nous ouvrirons donc la porte des ateliers et jetterons un coup d’oeil à l’intérieur pour voir ce qui se passe au cours de la création d’une oeuvre. Nous aurons alors un aperçu des rituels et des processus que les artistes mettent en pratique pour créer les objets qui vont éveiller nos sens.

Hywel Pontin/Hannah Kelly 2007

Ateliers de dessin et construction, avril 2008 - West Island College, Montréal, Canada.

Neuf étudiants : Gabby, Sydney, Alexandre, Philippe, Nick, Dimitri, Kaelan, Anthony and David, and two staff, V Caldareri and A. Garneau ont suivi un stage de dessin/construction avec des visites culturelles. Quelques étudiants locaux aussi aux activités et ils ont tous passé à la radio, CFM Caylus.

CERAMIC FUTURES
du 1er au 31 Août 2007
DRAWinternational - ArtHouseCaylus

Céramistes de Pays de Galles exposent ........
Une selection de céramiques contemporaines créé par 15 artistes de Pays de Galles, Grande Bretagne.

Maggie Andrews, Pete Castle, Natasha Mayo, Graham Williamson,
Duncan Ayscough, Melanie Brown, Caroline Taylor, Pauline Monkom,
Sally Bradborn, Alison Graham, Sara Moorhouse,
Matthew Thompson, Jin Eui Kim,
Claire Curneen, Jake Bodilly

Une initiative entre le centre Drawinternational, Caylus, et le Centre d'Etudes en Céramique à Cardiff.

CERAMIC FUTURES
Artiste en Résidence - Jacob Bodilly - du 1er au 31 Août 2007
DRAWinternational, ArtHouseCaylus

Jacob Bodilly, étudiant au centre d'études en céramique à Cardiff, était invité cet été par le GA2C et DRAWinternational en résidence.

JOHN MCNORTON 'Le lieu du geste'

Drawing as Vital Practice 19 january - 3 March 2007
THE CENTRAL LINE, PM Gallery, London.

Exposition - Reflective Interventions - John McNorton
7 Octobre - 5 Novembre 2006
Abbaye de Beaulieu en Rouergue

'Reflective Interventions' - alterations and modifications.

CENTRE DES MONUMENTS NATIONAUX
REFLECTIVE INTERVENTIONS

Cette exposition présente le travail réalisé l'année dernière, sous la conduite de John Mc Norton, par le collectif Reflective interventions, avec le soutien de l'Université de Cardiff et du Royal college of art de Londres.

Chaque dessin a été conçu à plusieurs mains, en quelque sorte sans auteur défini, pas plus que ne le furent ces bâtisseurs d'églises ou de cathédrales, pas plus que ne le furent les artisans zélés des ateliers de peinture, le maître ajoutant la touche finale et l'empreinte de sa signature. En somme, nous rejoignons ici une tradition qui exclut toute velléité égotiste.

Cette démarche plurielle, réalisée en lieu et place, intègre l'architecture, dont elle s'inspire de telle sorte que le modèle – s'entend l'abbatiale de Beaulieu – ne se réduit pas à un lieu d'exposition mais devient lui-même lieu d'exposition quand il se trouve de facto mis en abyme. L'effet de réflexion est le résultat dynamique d'une construction et d'une déconstruction : construction si l'objet est pris dans sa globalité, déconstruction dès lors que chaque dessin constitue un fragment inachevé – car c'est aussi le propos. Livré au geste et la toujours possible occurrence que ce geste requiert pour élargir l'espace dont il dispose et ne s'y point enfermer, ce fragment fait écho tant à celui qui le précède qu'à celui qui lui succède.

Passant tour à tour de l'abstrait au figuratif, il s'agit bien d'une variation offerte au regard avec son lot de repentirs, le repentir, précisément, « cette correction qui corrige ce qu'elle n'efface pas ». D'ailleurs comment le repentir n'aurait-il pas sa légitime place au sein d'un édifice d'essence religieuse prêt à l'absoudre, ce qui ne signifie d'aucune manière que le trait soit un péché ?

Jean-Pierre L. Colle

'Drawing Inside Out'
March 2006
West Island College, Montreal, Canada

Ateliers de dessin et visites culturelles.

Reflective Interventions
11-13 Novembre 2005
Abbaye de Beaulieu en Rouergue

Dessin Performance Installation - avec 10 artistes européens;

Choreographique dessinateur - John McNorton
Artiste accoustique - David Handford

Patrik Brigo
Nathalie Céré
Olivier Gentilin
David Handford
Grete Hayward
John McNorton
Bernard Niemietz
Seth Oliver
Alice Popelin
Heather Reid

September 2005
Power Drawing/NSEAD National Drawing Conference

A series of workshops, lectures and key note speeches delivered by John McNorton at Glasgow School of Art and Bath Spa University on the subject, 'The Corporeal Space of Drawing'.

Le Nid, l'Abri, la Colonne
Sculpture, Installation, Performance.
15-31 Juillet 2005

Artistes Contemporains créent au Lac de Labarthe à Caylus.
DRAWinternational et ACE (Art-Culture-Education)ont selectionné un groupe d'artistes contemporains internationaux pour leur projet de résidence et exchange culturel.
Ce projet a eu le soutien de la Communauté Européenne dans le cadre du programme Leader+ Midi-Quercy.

Ateliers de dessin

Mai 2005

Etudiants en Maitrise arts plastiques de l'université de pays de Galles, UWIC

Ateliers de dessin pour étudiants en maitrise.

Ateliers de dessin pour étudiants en maitrise arts plastiques de l'Université de pays de Galles, UWIC.

'FACE A FACE'

du 16 au 17 Octobre 2004
rue droite Caylus

100 mètres de dessin au centre du village mediéval en partenariat avec Power Drawing UK.

TOM BARNETT

Sculpture Incandescente